Durante cuatro días del Fórum 2013 Danzones, realizado en el puerto de Veracruz, asistieron más de 2 mil personas entre bailadores y turistas que participaron en los diez eventos programados para este año.

Con una noche de baile en la plaza cívica de Boca del Río concluyó este domingo el Fórum 2013 Danzones en el puerto de Veracruz, organizado por el Centro Nacional de Investigación y Difusión del Danzón A.C. (CNIDDAC).

Los 120 grupos de bailadores provenientes de 23 estados del país fueron protagonistas de la XV Muestra Nacional de Danzón durante dos días.

En el reconocimiento al rescate y difusión del danzón recibieron el premio “Rosa Abdala Gómez” el flautista Horacio Franco, la Revista México Desconocido y los Danzoneros de Reynosa.

Con baile de gala, los danzoneros celebraron  el XV Aniversario de CNIDDAC, que  instituyó desde el año 2003 el fórum del danzón en la ciudad de Veracruz.  

Miguel Zamudio Abdala, organizador y presidente de la asociación civil, agradeció a la comunidad danzonera su visita y el esfuerzo que realizaron para viajar a la ciudad de Veracruz con el objetivo de mantener viva la tradición de este género músico-bailable.

Destacó la participación de las danzoneras La Playa, Tres Generaciones, del “Chamaco” Aguilar, Acerina, Dimas, Infantil y Juvenil de Oaxaca, Felipe Urbán, José Casquera y Danzonera de Boca.

Convocó a los veracruzanos y visitantes a regresar el próximo año en una nueva emisión del Fórum Danzones en el puerto, con la finalidad de dar continuidad a la permanencia y divulgación del danzón en México.

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Más de 120 grupos de bailadores de 23 estados del país participaron en la inauguración del Fórum 2013 Danzones en el puerto de Veracruz, donde el flautista mexicano Horacio Franco recibió un premio por la preservación y difusión de este género musical.

El festival, organizado por el Centro Nacional de Investigación y Difusión del Danzón A.C. (CNIDDAC), inició este jueves sus actividades en el malecón del puerto con el VIII Encuentro Nacional de Danzoneras.

Niños, jóvenes y adultos bailaron un amplio repertorio de danzón durante más de cuatro horas al iniciar este evento que se realiza en el puerto del 2 al 5 de mayo de 2013.

Durante el encuentro, el flautista mexicano Horacio Franco recibió el Premio a la Preservación y Difusión del Danzón “Rosa Abdala Gómez” en la categoría de música, por su disco “Del medioevo al danzón”.

El también director de orquesta con 35 años de trayectoria artística recibió junto con el contrabajista Víctor Flores, con quien grabó el CD, el reconocimiento de manos de Harry Grappa Guzmán, secretario de Turismo del estado de Veracruz.

En la macroplaza del malecón se bailó el danzón de acuerdo como se hace en los diferentes puntos geográficos de México. En esta ocasión asistieron bailadores de los estados del centro, norte y sur del país como Nuevo León, Guerrero, Hidalgo, Jalisco, Morelos, Nayarit, Nuevo León, Oaxaca, Puebla, Querétaro, Chiapas, Quintana Roo, entre otros.

Para este viernes 3 de mayo los eventos del festival continúan con la XV Muestra Nacional de Danzón a las 11:00 horas en el teatro Reforma, y a las 21:00 horas en el World Trade Center el baile de gala para celebrar el XV Aniversario del CNIDDAC.

El cantante estadunidense Tony Bennett presenta un álbum de duetos con artistas latinos como Marc Anthony, Gloria Estefan, Christina Aguilera y Juan Luis Guerra.  Este es el tercer disco a dúo del cantante de jazz, quien antes grabó Duets y Duets II con intérpretes internacionales como Amy  Winehouse y Lady Gaga. Algunos de los temas de este nuevo disco están: “For Once In My Life”, “Who Can I Turn To”, “Steppin`Out With My Baby”, “Just In Time”.

Songs, de Plácido Domingo

El tenor español Plácido Domingo lanza su primer álbum pop en más de 20 años, con un repertorio en cuatro idiomas, elegidos entre más de 70 años de las melodías más populares del mundo. Incluye duetos con Josh Groban, Susan Boyle, Harry Connick Jr., Katherine Jenkins y Chris Botti. Entre los temas están: “Sous le ciel de Paris”, “Bésame mucho”, “Parla piu piano”.

Red, de Taylor Swift

Este es el cuarto álbum de la intérprete estadunidense Taylor Swift, que lleva por título una de las canciones del disco “Red”. Presenta 16 temas, de los cuales 10 fueron compuestos por ella y los otros seis son colaboraciones de Max Martin, Shellback, Ed Sheeran y Gary Lightbody. Algunos de los temas que integran el disco: “State of Grace”, “The Last Time”, “Everything Has Changed”.

Por primera vez en cuatro años de creación, se presentará en el Palacio de Bellas Artes una orquesta filarmónica conformada por 79 músicos oaxaqueños integrantes de las principales agrupaciones de México y de diversas partes del mundo.

Desde que fue creado en 2008, el Encuentro Filarmónico de Invierno Oaxaca ha ofrecido tres conciertos anuales en el Teatro Macedonio Alcalá, de la capital del estado, pero esta es la primera vez que sale de la entidad, explicó Omar Guevara, coordinador musical del evento.

Indicó que también se tiene el plan de llevar la orquesta a la ciudad estadounidense de Los Angeles, California, donde existe una gran presencia de connacionales oaxaqueños.

Guevara afirmó que en esta filarmónica se combina experiencia con juventud, al reunir a instrumentistas de 16 de 45 años de edad, integrantes de importantes agrupaciones del país y de diferentes partes del mundo.

El programa del evento musical está conformado por piezas de grandes compositores clásicos, pero también de creaciones nuevas y tradicionales de autores mexicanos, informó.

La realización de este encuentro tiene como propósito fundamental impulsar la creación de un conservatorio de música para canalizar a los talentos del estado, dijo el coordinador musical del Encuentro Filarmónico de Verano Oaxaca 2012.

Andrés Webster Henestrosa, secretario de las Culturas y Artes de Oaxaca, dijo que este encuentro es la justificación de porqué el estado necesita una escuela superior de música.

Aunque el estado cuenta con más de 1,500 bandas tradicionales, los integrantes de esta orquesta no se formaron en Oaxaca, ya que estos jóvenes surgieron de comunidades donde no tuvieron la posibilidad de prepararse profesionalmente, dijo el funcionario.

El gobierno del estado tiene el propósito de crear la Escuela Superior de Música para que los jóvenes puedan seguir preparándose a otros niveles, se queden en la entidad y logren su desarrollo, incluso a través de la música comercial dependiendo de su interés personal, afirmó.

Se trabaja ya con las autoridades educativas para definir la currícula y se analiza el lugar físico en la ciudad de Oaxaca, cerca del Cerro del Fortín, para que en dos años se cuente con esta institución, explicó el secretario estatal.

Pablo Arturo Martínez Bourguet, violinista y asistente concertista del Encuentro Filarmónico de Verano Oaxaca 2012, indicó que el objetivo de crear la Escuela Superior de Música es evitar que el talento del estado tenga que emigrar incluso al extranjero en busca de superación musical y profesional.

Del total de músicos de esta orquesta, 49 son hombres y 30 mujeres, informó Emilio de Leo Blanco, subsecretario de Fomento Cultural y Artístico.

Precisó que los integrantes de la agrupación oaxaqueña participan en diferentes instituciones artísticas destacadas del país como la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, la Orquesta Filarmónica de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), la Orquesta Sinfónica Carlos Chávez y la Orquesta Sinfónica de Oaxaca.

El Encuentro Filarmónico de Verano Oaxaca 2012 tendrá lugar por primera vez en el Palacio de Bellas Artes, el próximo 9 de agosto a las 20:00 horas, cuyo programa incluirá obras de grandes compositores de música sinfónica como Chaikovski, Ravel, Revueltas, entre otros, bajo la batuta del director huésped José Luis Castillo y como clarinetista solista, Manuel Hernández Aguilar.

El gerente del Palacio de Bellas Artes, Francisco Orozco Díaz, afirmó que esta presentación se suma a las realizadas a lo largo del año y que promueven la cultura de diferentes estados del país.

Informó que los precios de las entradas para este Encuentro Filarmónico de Verano Oaxaca 2012 varían entre 80 y 30 pesos y están disponibles para el público en general en el propio Palacio de Bellas Artes.

(Patricia Pazarán)

Si usted espera que el más reciente álbum de Eddie Vedder “Ukulele canciones” sea como desnudar a un nuevo Pearl Jam, le comento que estará muy decepcionado. Sin embargo, si usted espera algo más como desfases en el registro, sumados con elementos de “Into The Wild” o un montón de canciones de amor y vocalistas invitados, entonces estoy seguro de que este disco le encantará y apreciará todo lo relacionado con él. El álbum está integrado por los covers consentidos del vocalista de esta legendaria banda, todos por supuesto al ritmo de un fabuloso ukulele, el resultado es por mucho impresionante.

Play. Empieza el viaje con “…and the forest began to sing”, tema que abre el Senior, el nuevo disco del dúo noruego llamado Röyksopp.

Si a la mano tiene unos buenos audífonos que aíslen casi por completo el sonido del mundo exterior, no dude en utilizarlos justo ahora, porque Svein Berge y Torbjørn Brundtland lo llevarán de la mano a un lugar de ensueño, vibrante, profundo y lleno de sonidos que bien podrían semejar algunos parajes inhóspitos y fríos de su natal Noruega.

Ellos mismos han dicho que la mayor inspiración para crear su música ha sido su infancia en Tromsø, y se siente, porque la vibra de estos noruegos viaja en dos direcciones: la melancólica y nostálgica, y la alegre y juguetona, propias de una remembranza de aquellos tiempos de niños.

El Senior (2010) es el cuarto álbum de los noruegos, y la contraparte del Junior (2009), su tercera obra, la cual está compuesta en un tono mucho más energético y apto para el dancefloor. Según Svein y Torbjørn, el Junior y el Senior son ellos mismos, la dualidad que habita en cada uno, el sonido de su espíritu, unas veces alocado y sudoroso, y otras, pensativo, ensimismado.

Nueve son los temas que el Senior tiene, pero sin duda, los más destacados son “Senior living”, “Forsaken cowboy”, “The fear”, “A long long way” y “Coming home”.

La calidad de Röyksopp no es cosa reciente. Desde que lanzaron su primer disco, el Melody A.M (2001) demostraron el talento que tienen para producir temas interesantísimos y finos dentro del género electrónico y, sobretodo, la habilidad que tienen para crear atmósferas. Una vez que se escucha a Röyksopp, es muy difícil escapar de su sonido. Uno queda como prendado, hipnotizado, y más cuando escucha canciones de la talla de “In space”, “Remind me” o “Higher place”.

Los noruegos afianzaron el gusto de sus seguidores con The Understanding (2005), su segundo álbum, en el cual se atrevieron a mezclar moods, lo cual dio como resultado un disco bastante bipolar, en el cual se escuchan temas enloquecidos y de beats rápidos como “Circuit breaker” y “Alpha male”, hasta temas que incitan a la depresión, como “Tristesse globale”.

Los Röyksopp vinieron a México en 2009 a presentar el Junior. Verlos en vivo es toda una fiesta, porque se concentran en crear una atmósfera festiva, energética, bailable. Además, Röyksopp es de esas bandas que ofrecen mucho más al público, en términos musicales, en sus conciertos. Es decir, los temas que interpretan siempre tienen un plus. Escucharlos en vivo no es poner play a ninguno de sus discos, porque todas las canciones tienen aportaciones distintas que, si bien no son improvisaciones –ellos mismos dicen que no tienen el don del jazz para improvisar de esa manera-, sí dan al público algo nuevo.

Todos los discos de Röyksopp se caracterizan por tener excelentes colaboraciones con otros músicos, desde Erlend Oye de Kings of Convenience, hasta las nórdicas Anneli Drecker, Robyn, Karin Dreijer y Lykke Li, para quienes, también, los noruegos han producido y escrito temas.

Cuando un par de músicos está disfrutando su actuación en el escenario, se nota. A Svein y a Torbjørn se les escapa por los poros. Ellos están dispuestos –y encantados- de bailar, saltar, bajarse del escenario y hasta disfrazarse de robots. Quien alguna vez dijo que los nórdicos eran fríos e inexpresivos aún no conoce a Röyksopp, que de fríos e inexpresivos no tienen un pelo.

Mayra Zepeda

Los ingleses que mezclan música electrónica con algo de rock, soul y rap. Viejos lobos de mar, padres del “Sonido Bristol”.

Cuando Massive Attack llegó al Auditorio Nacional en febrero pasado, demostró un par de cosas: que el género trip hop aún no caduca y que, a pesar de ser una agrupación extranjera –son ingleses, de Bristol??, se tomaron el tiempo para investigar el entorno social de México y crear mensajes de lucha social y esperanza.

Robert, 3D, Del Naja y Grant, Daddy G, Marshall no le dieron a la audiencia mexicana un concierto rebosante de sensiblería, pero sí le robaron unas cuantas lágrimas gracias a esos mensajes de conciencia social que, mezclados con una música profunda y honesta, expresaron de manera fehaciente que Reino Unido tiene los ojos puestos en México.

Tal vez por ello es que decidieron regresar a este país a principios de noviembre –ahora al Teatro Metropólitan?, además de continuar con la presentación de su último disco, el Heligoland.

Con tantas colaboraciones en su repertorio –desde Garbage y Madonna; Tracey Horn de Everything but the Girl; Elizabeth Fraser de Cocteau Twins; hasta Martina Topley-Bird y la estrella del dub jamaicano, Horace Andy?, era un misterio adivinar a quiénes traerían consigo los ingleses.

Martina Topley-Bird y Horace Andy fueron los elegidos –entre otros músicos? para acompañar a Massive Attack en sus conciertos, mismos que se distinguen por ser una mezcla perfecta de música electrónica, soul, rock y rap.

La esencia del par que da vida a Massive Attack viene directamente del arte. Antes de ser miembro de la agrupación, Del Naja era un reconocido graffitero y artista plástico, mientras que Marshall solía pinchar discos en clubes ingleses. El antecedente de Massive Attack fue un colectivo artístico llamado The Wild Bunch, proyecto en el que talentos como los de Del Naja, Marshall, Tricky y Shara Nelson confluyeron para, posteriormente, dar identidad a la agrupación.

Los ingleses irrumpieron en la escena de la música a principios de 1991 con el disco Blue lines, el cual hizo que todos los ojos se posaran en ellos y que incluso la prensa comenzara a definir su sonido con el nombre de trip hop o “Sonido Bristol”, un género de música electrónica downtempo mezclada con rap y soul.

Este disco tiene temas enormes, como “Unfinished sympathy” y “Safe from harm”, que en vivo son de los más potentes que tiene la banda.

Para el segundo álbum, Protection, los Massive echaron mano del director Michel Gondry (la cabeza detrás de videos como “Enjoy the silence” de Depeche Mode y películas como Eterno resplandor de una mente sin recuerdos) para catapultar el éxito del disco a través del single “Protection”.

Sin embargo, fue hasta 1998 cuando Massive Attack creó uno de los mejores discos de la historia de la música, el Mezzanine: oscuro, depresivo, intenso, con temas tan sobresalientes como “Angel”, “Teardrop”, “Inertia creeps” y “Risingson”.

El Mezzanine demostró la maestría que Massive Attack tiene para crear atmósferas intensas y oscuras, por lo que no fue extraño que realizaran el soundtrack de la película Danny the dog, de Luc Besson, un filme que cuenta la historia de un hombre que fue educado como un perro y que, debido a un accidente, queda desamparado. En este disco, Massive Attack logró un trabajo oscuro con destellos de esperanza, un soundtrack que va de manera perfecta con la intención de la película.

Los Massive Attack recibieron el nuevo milenio en 2003 con un nuevo disco, el 100th window, el cual contó con la colaboración no sólo de Horace Andy –quien ya es como parte de la banda porque es el único que ha colaborado con los ingleses en todos los discos?, sino también de Sinead O’Connor.

El Collected –una compilación de sus éxitos? y el EP Splitting the atom completan la discografía de estos ingleses que se alzan como uno de los representantes de la música electrónica más finos y comprometidos con la sociedad a nivel mundial.

La banda canadiense que encabeza la lista de las mejores bandas del siglo XXI visitará nuestro país el próximo octubre.

Fue en una de mis tardes libres de hace cinco años cuando descubrí a los Arcade Fire. Paseaba los dedos por cientos de discos cuando de pronto me topé con una caja muy delgada. Funeral, leí. El precio y el arte de la caja atraparon mi atención, por lo que me animé a comprar el disco.

Hoy, cinco años después, esta banda canadiense liderada por Win Butler y Régine Chassagne –una pareja de esposos- es considerada una de las agrupaciones más talentosas de la primera década del siglo XXI.

Originarios de Montreal, Canadá, los siete miembros de Arcade Fire no tienen un pelo de improvisados. Todos son músicos multiinstrumentalistas que bien pueden tocar el violín, la guitarra y el piano, hasta el xilófono, el ukulele, el acordeón y la zanfona –una especie de violín con teclas.

Arcade Fire es una mezcla afortunada de rock alternativo, notas clásicas y letras que cuentan historias del significado de la vida y la muerte. También es una de las bandas que en sus inicios logró conquistar al público a través de internet y que recientemente se unió al gigante Google para crear un video –The Wilderness town- que une música, video y el mundo creativo del HTML5.

La historia de éxito de Arcade Fire comenzó con Funeral, su primer disco, lanzado en 2004, material que los situó entre los ojos de los críticos y que conquistó casi de inmediato al público con unas letras magistralmente compuestas por Win Butler, en inglés y francés, y un sonido que nada tenía que ver con las tendencias que se escuchaban por aquellos años.

Arcade Fire es el responsable de temas tan épicos y dramáticos como “Rebellion (Lies)”, “Neighborhood #3 (Power out)” y “Wake up”, que sedujo al músico británico David Bowie, quien prestó su voz para grabar una segunda versión del tema.

Cuando una banda se sitúa en el radar de los críticos y el público, y además crea temas de calidad, se convierte en una agrupación solicitada por artistas de la talla de los irlandeses U2 o el estadounidense Bruce Springsteen; por la televisión –el track “Cold wind” apareció en la serie Six feet under- y, por supuesto, el cine –los canadienses participaron en la banda sonora de la película Where the wild things are.

Dos años después, en 2007, los Arcade Fire se pusieron excéntricos y compraron y renovaron una iglesia en Montreal, misma que utilizaron como refugio para grabar su segundo disco, el Neon Bible.

El sonido de los canadienses se transformó. Ésta es una banda que, hasta el momento, ha logrado renovar su sonido con el paso del tiempo, sin perder su esencia oscura y un tanto de sujetos inadaptados.

“Keep the car running”, “No cars go”, “Black wave/bad vibrations” y “Black mirror” fueron los temas consentidos del Neon Bible, un disco que, en palabras de Win Butler, tiene un sonido que semejaría la acción de “permanecer de pie sobre el océano”.

Hoy, Arcade Fire tiene nuevo disco, The suburbs, y de nuevo logró la hazaña por la cual muchas bandas se esfuerzan y quedan a la mitad del camino, encasilladas como poco originales y repetitivas: el camino de la renovación.

The suburbs es un disco que tiene  una paleta de sonidos y colores mucho más amables y explosivos que los dos álbumes pasados, que tendían más a lo oscuro, a lo ensimismado.

Esta vez los Arcade Fire lograron un disco que se necesita escuchar más de dos veces para entender uno de sus mantras más importantes: el cambio. Temas como “Ready to start”, “We used to wait”, “Modern man” y “Month of may” son de los más destacados del disco.

El pasado 5 de agosto los canadienses fueron partícipes de un hecho sin precedentes, ligado a la tecnología y al internet, es decir, al mundo de hoy. La banda transmitió en directo a través de YouTube un concierto en el Madison Square Garden en Nueva York, dirigido por Terry Gilliam, el responsable de filmes como Doce monos (1995) o El imaginario del Doctor Parnassus (2009).

En octubre, los Arcade Fire estarán en México. ¿El foro? El Palacio de los Deportes.

Con su primera visita a México, los franceses se encargarán de llevar al público mexicano al terreno de la imaginación, el amor y los sueños.

Charlotte mira por la ventana del tren mientras se dirige a su destino: Kyoto. Trae unos audífonos puestos con una melodía que va de manera perfecta con el paisaje de una ciudad al parecer extraída de los sueños. La canción que suena es “Alone in Kyoto” del dúo francés de música electrónica, AIR.

La cineasta Sofia Coppola escogió a Jean-Benoît Dunckel y a Nicolas Godin –los genios detrás de este proyecto- para musicalizar una de las escenas más bellas de la película Perdidos en Tokio por ser un dúo con habilidades maestras para la creación de atmósferas elegantes, llenas de ensoñación y que llevan al escucha a una especie de autoexploración.

Amour, Imagination, Rêve (amor, imaginación, sueño) es el significado de AIR, acrónimo que hace plena justicia a la esencia musical del dúo, el cual se presentará en México por primera vez tras haberse formado hace ya 15 años.

AIR llenará el Auditorio Nacional el próximo 21 de octubre con sintetizadores vintage que remiten a la década de los setenta y al sonido de algunos grandes de la música de aquella época como Vangelis, Serge Gainsbourg y hasta Pink Floyd.

Aunque los inicios de AIR fueron los de una banda 100% instrumental, con el tiempo también adoptaron las palabras como una segunda forma de expresión y se valieron de voces como la de Françoise Hardy –la reina del pop francés-; Jean-Jacques Perrey –pionero de la música electrónica en Francia-; los estadounidenses Beth Hirsch y Beck; Thomas Mars, vocalista de la banda francesa Phoenix, y hasta el famoso físico Stephen Hawking.

Además, gracias a su fino sonido y a las originales presentaciones en vivo que ofrecen al público –cargadas de intimidad y de versiones extendidas o modificadas de sus temas-, AIR es uno de los dúos que encabezan lo más selecto de la música electrónica de la última década, compartiendo créditos, me atrevo a decir, con los también franceses Daft Punk, Alex Gopher, Étienne De Crecy y Sebastien Tellier.

El mundo conoció a Dunckel y Godin en 1998 cuando lanzaron el Moon Safari, el disco que los catapultó como una de las propuestas más originales de finales de los noventa y que con canciones como “Sexy boy”, “Kelly watch the stars” y “All I need” se llevó a la bolsa tanto al público como a los críticos.

Como buenos franceses, los AIR tienen una relación muy estrecha con el cine y la literatura. La cineasta norteamericana Sofia Coppola los adoptó como sus favoritos desde el año 2000, cuando les pidió que compusieran la banda sonora de la película Vírgenes suicidas.

En la literatura, fue el italiano Alessandro Baricco quien buscó a los franceses para que musicalizaran la narración de algunos pasajes de la novela City. Bajo la dirección de Nigel Godrich, el trabajo derivó en una obra llamada City Reading (Tre Storie Western).

En 2001 se aventuraron a lanzar el 10,000 Hz Legend, que ni con temas tan maravillosos como “How does it make you feel” o “Radio #1” lograron convencer al público ni a los expertos, ya que lo consideraron demasiado diferente y experimental a lo que AIR los había acostumbrado. Sin embargo, con Talkie Walkie (2004) y Pocket Symphony (2007) los AIR regresaron de alguna manera a sus raíces introspectivas.

A México llegarán para presentar su último disco, Love 2 (2009), el cual es mucho más pop y suena a sueños no tan nublados y fríos, sino cálidos y en tonos rosas, anaranjados y amarillos.

Jazzistas, rockeros, sucios. Experimentación musical 100% mexicana.

Un largo viaje en carretera a bordo de un tráiler a gran velocidad, un par de lentes oscuros y un bigote estilo Emiliano Zapata es la imagen que los jaliscienses de Troker escogieron para darle identidad a su música, una mezcla muy intensa de rock y jazz que transmite fuerza, sensualidad y travesura, como si algún tipo de maldad infantil estuviera a punto de suceder en el escenario, en el estudio de grabación, donde sea.

Y sucede. De pronto Arturo Santillanes (saxofón), Frankie Mares (batería), Samo González (contrabajo), Gil Cervantes (trompeta), Christian Jiménez (teclados y guitarra) y DJ Rayo (tornamesas) emergen de la oscuridad del escenario del Lunario del Auditorio Nacional para romper el silencio con los primeros acordes de su nuevo disco El rey del camino (2010).

La segunda producción discográfica de estos mexicanos que en 2005 irrumpieron con su sonido energético en la escena musical nacional, cuenta con la participación de músicos impresionantes de talla nacional e internacional como Omar Rodríguez, guitarrista de The Mars Volta; Pato Machete, ex integrante de Control Machete; y Adrián Terrazas, de El Régimen.

Con diez canciones y diez videos elaborados por artistas 100% mexicanos, El rey del camino precede a Jazz Vinil (2007), la ópera prima en la que estos músicos se atrevieron a fusionar ritmos como el rock latino, jazz, funk, hip hop y cumbia.

Con un protagonismo comandado indudablemente por el saxofón, la trompeta, la batería y las tornamesas, el sonido de Troker crea potentes atmósferas. Con temas como “Bórax”, “Barrio Feeling”, “Chapala Blues” o “Night Panther Club” los Troker demuestran al público mexicano –y al internacional, porque sí, también dan conciertos en el extranjero- que ya forman parte del selecto grupo de músicos independientes de México.

Gracias a su talento han podido compartir escenario con el jazzista mexicano Eugenio Toussaint, el vietnamita Cuong Vu, los mexicanos Alonso Arreola, Alejandro Otaola, Los Dorados y Germán Bringas, entre otros.

Arriba del escenario los Troker no temen ser juguetones ni desbocarse con los acordes de sus instrumentos al momento de la improvisación, característica muy propia del jazz, que al flirtear descaradamente con el sonido sucio del rock produce una explosión auditiva que trasciende lo sonoro y se instala en lo visual, se nota en los rostros de los músicos.

Es Frankie Mares, el baterista, el Troker que más pierde la cabeza en el escenario, como un rockero a punto de partir en dos la batería y con un muy clásico headbanging propio de un metalero.

Sin embargo, es Arturo Santillanes, el saxofonista apodado “El Tiburón”, quien se atreve a dar de manera jocosa una orden a la audiencia: “¡Vamos a bailar! ¡Levántense, esto es una orden!” Y como buenos soldados, el público mexicano se despega de sus asientos y comienza a agarrar el ritmo. Con los pies, las manos, la cabeza, con Troker es imposible no mover el cuerpo.

El Lunario vibra con los brincos del público que a veces ya no sabe ni cómo moverse porque las distorsiones de la guitarra y el saxofón han tomado la delantera en el show, un espectáculo que si bien es íntimo –porque el Lunario es un lugar pequeño y acogedor-, puede convertirse en una fiesta comunal si una banda como Troker se presenta.

De pronto todo el Lunario reconoce lo que los Troker están tocando. Sí, es “El sirenito”, el tema clásico por excelencia de Rigo Tovar. Así se despide una banda de músicos mexicanos que no teme a nada, y mucho menos a la experimentación.